野村 萬斎

　2001年の初演からイギリス・グローブ座公演、国内での再演を経て、3年前は北米2都市でも上演した作品です。芸術監督を務める世田谷パブリックシアターで、私は「レパートリーの創造」という指針を掲げていますが、『まちがいの狂言』はそのモデル・ケースの作品に育ちつつあると言えるでしょう。上演リクエストも全国的に非常に多く、東京近郊とはいえ今回神奈川で公演できるのは良い機会だと思います。

　ひとつには、「古びない方法」を用いていること。この作品は、シェイクスピアという普遍的な価値を持つ作家の戯曲をベースに、狂言という古典芸能の表現方法、型としての揺るぎなさと、21世紀の今見ても通用する演技の斬新さを兼ね備えた演出を施してあります。両者ともに400年から600年以上の時を経てなお上演され、観続けられているものですから、観客を「観たい」と引きつける力の相乗効果がそこにあるのではないでしょうか。また、これは偶然の産物ですが、劇の冒頭で使う「ややこしや〜」というフレーズがテレビの子供向け教育番組で使われ、劇場だけでは出会えないほど幅広い多くの方々に、作品を認知していただく機会を得た幸運もあると思います。
　さらに、ちょっと複雑な話になりますが、台本を執筆して下さった故・高橋康也先生がこれを単なるシェイクスピアの原作（二組の双子が絡み合い、取り違えられることから混乱して起きる騒動を描く喜劇）の翻案ではなく、置かれた状況や人間関係によって揺らぐ、個人のアイデンティティの問題として大きく捉え直したことも、作品の現代性を高めた一因だと私は思います。私たちは会社や学校、家庭の中でそれぞれの役割を要求され、無意識に演じ分けている。そこへさらに、ネット上でのキャラクターまで加わるような複雑さが現代の日常にはあり、日々を生きる「自分」の「本当」は一体どれなのか。そんなアイデンティティの不確かさを、笑いを交え描く深遠さが、この作品の強みだと思います。

　舞台作品は作り手側だけのものではなく、客席からの反応あってこそ育つ、まさに「生き物」ですから、観ていただく機会が増えるほど作品も成長すると思っています。特にこの作品は、双子を一人で演じる複雑な構成なもので、最初のうちは演じている私たちの頭も“ややこしさ”に混乱したほど（笑）。公演中のお客様の反応で、伝わり具合や表現の過不足が分かり、整理されていったことは確かです。また海外、特にアメリカ公演では「これはスーパー・スラップスティックだ」というような評価を受け、言葉とは違う、身体表現の持つ力を再確認できました。

　具体的にここを変える、ということはありませんが会場の青少年センターは大きめの劇場なので、劇場に合わせた多少のアレンジは必要かなと思っています。ひとつ特筆すべきは、今回は初演からのほぼオリジナル・メンバーによる上演ですが、それができるのはこれが最後かも知れないということ。作品は古びませんが、残念ながら演者は年をとるもので（笑）、初演から7年経とうとしているこの作品は、成長するという意味で次の段階へと上がるころなのかも知れません。
　例えば次のステップのためのアイデアとしては、違う演者によるチームを新たに作り国内外で数多く公演を行えるようにする。演出は生かして、狂言に限らず現代劇の俳優の方に演じてもらうことも可能ではないかと考えてもいます。シェイクスピアという、世界的な共通言語がありますから、海外の俳優による上演も考えられますよね？ まあ、あまり大きなことばかり並べてはいけないのですが（笑）、そんな多彩な可能性がこの作品にはあるはずです。神奈川公演後は、ワシントンD.C.での上演も決まっています。作品がさらに成長するその過程を、目撃していただけたらうれしいですね。